En su trabajo, Carlos Amorales se interesa principalmente por el lenguaje y la imposibilidad/posibilidad de comunicar por medio de formas irreconocibles o no codificables: sonidos, gestos y símbolos. Amorales experimenta en los límites entre la imagen y el signo con una variedad de medios: animación, video, cine, dibujo, instalación, performance y sonido. Su práctica se basa en diferentes formas de traducción: instrumentos que se transforman en personajes de sus filmes, letras que se vuelven formas y narrativas que devienen lenguaje corporal. Como base de muchas de estas exploraciones, Amorales ha utilizado Archivo Líquido: un proyecto de 1998 compuesto por formas, líneas y nodos en vez de palabras en el que Amorales trabajó durante más de diez años. Además de Archivo Líquido, ha desarrollado otros alfabetos y sistemas para traducir textos que van desde fichas museográficas hasta cuentos. Las obras de Amorales existen en un mundo alterno, paralelo al nuestro, que se rige por sus propias reglas y donde evolucionan constantemente, al igual que el proceso de su producción.

Carlos Amorales estudió en Ámsterdam en la Gerrit Rietveld Academie (1996–97) y  Rijksakademie van beeldende kunsten (1992-95). Ha realizado residencias artísticas en el Atelier Calder en Saché (2012) y MAC/VAL en Vitry-sur-Seine (2011) en Francia; Y en Estados Unidos como parte del programa Smithsonian Artist Research Fellowship en Washington (2010).

Manuel Felguérez nació en Valparaíso, Zacatecas en 1929. Importante artista mexicano pionero del arte abstracto en nuestro país, es un integrante fundamental de la Generación de la Ruptura.

Realizó estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, "La Esmeralda" en 1951, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM en 1948, en la Academia de la Grande Chaumier en París entre 1944 y 1959 y entre 1954 y 1955, en la Academia Colarossi, de París, Francia, gracias a una beca del gobierno francés.

Se inició como escultor en París siendo discípulo de Ossip Zadkine, un artista formado en el cubismo. Posteriormente transita hacia la pintura por razones de practicidad y supervivencia.

En 1973 fue nombrado miembro de la Academia de las Artes y en 1988 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes.

A partir de los setenta, Felguérez interesado en el fenómeno de la percepción, experimenta con plásticos y otros materiales en busca de soluciones ópticas.

Actualmente el maestro Felguérez sigue inmerso en la investigación tridimensional para sus obras escultóricas y continúa trabajando el acero, así como la talla en mármol y ónix.

Edgar Orlaineta (1972, Ciudad de México) vive y trabaja en la Ciudad de México. En su práctica artística, Orlaineta se enfoca en formas esculturales híbridas. Los ideales modernistas, la cultura popular, así como momentos históricos específicos, hacen eco en la investigación del artista. Orlaineta explora el diseño y la arquitectura de posguerra: movimientos en los que predominaron las figuras biomórficas, debido a su fuerte influencia del surrealismo. El artista también altera la percepción, y cuestiona el valor simbólico y económico de las cosas -objetos industriales que en un punto fueron producidos de forma masiva, a pesar de sus intenciones originales-, al incorporar elementos artesanales o al ensamblar objetos de la vida diaria que carecen de relevancia histórica. Cuando los objetos de las esculturas de Orlaineta pierden su funcionalidad, culto o valor histórico, y se presentan abiertos a una nueva imaginería, replican el legado de las vanguardias históricas.

Ciudad de México, 1980. Vive y trabaja en la Ciudad de México

El trabajo de Rodolfo atiende a una preocupación por el proceso y el significado de los materiales así como por un rigor formal que resulta de la influencia de la arquitectura. Las variantes, el orden y el significado de distintos objetos al igual que la construcción, la superposición y la apropiación son temas recurrentes en su práctica. Trabaja en diferentes medios tales como la escultura, el dibujo y la fotografía. Dirigió el taller de producción de Damián Ortega (2004 - 2010), estudió arquitectura y fotografía y actualmente es director de taller TORNEL.

Ciudad de México, 1968.

Vive y trabaja en México.

El trabajo de Pablo Vargas Lugo toma elementos de diversas disciplinas como la astronomía, la cartografía o la arqueología. A través de dibujos, esculturas, pinturas e instalaciones, desarrolla juegos visuales y conceptuales que refieren al lenguaje, a las convenciones de ciertos sistemas de medición, a tradiciones milenarias. El artista ha desarrollado un lenguaje visual elegante de motivos entrelazados y abstractos que hacen referencia al paisaje, diseños encontrados en la naturaleza, mapas, diagramas meteorológicos y la ciencia ficción.

Combinando la cualidad súper plana del papel con nociones de tridimensionalidad, Vargas Lugo explora el componente de misterio que encierra la escritura, entendiendo como tal el universo de los signos que conforman un lenguaje, ya sea el de una palabra, el de un mapa estelar, el de un paisaje, o el que nos remite a nociones antiguas de lo sagrado. A través del uso del humor, sus imágenes transforman estas convenciones en elementos mundanos, cercanos a nosotros, al mismo tiempo comunes y sorprendentes.

Pablo Vargas Lugo es uno de los más sólidos representantes del arte contemporáneo en México. Su obra ha sido expuesta en el Museo Tamayo, el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo Amparo de Puebla y el Museo Experimental del Eco, entre otros. Para 2019 el artista representará a México en la 58va Bienal de Venecia.

Desde la década de los noventa, Iñaki Bonillas ha establecido en su trabajo una relación muy puntual con la fotografía. Afín a la estética y las prácticas conceptuales de los años sesentas y setentas, Bonillas ha aislado de manera gradual los distintos elementos que constituyen, más que la fotografía misma, el hecho fotográfico (la cámara, la película, el obturador, el revelado, etc.), para después conectarlos con distintos procedimientos no-fotográficos. En 2003 introdujo en su obra el vasto archivo fotográfico de su abuelo, J. R. Plaza, a partir del cual ha desarrollado una serie de reinterpretaciones. Bonillas reúne elementos que a priori parecerían incompatibles: por un lado, una narrativa personal, biográfica, hecha de anécdotas y apuntes de carácter más bien privado, y, por otro, un sentido cuasi-científico de recopilación y de clasificación.

Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran Secretos,  Estancia Femsa, Casa Luis Barragán, Ciudad de México, México, y Captain Oates, Art Basel 44/Art Unlimited, Suiza. Su trabajo también ha sido incluido en exposiciones e instituciones tales como Strange Currencies: Art & Action in Mexico City, 1990-2000, The Galleries at Moore, Filadelfia (2015); Punctum, Salzburger Kunstverein (2014); La inminencia de las poéticas, 30 Bienal de São Paulo (2012); Arxiu J. R. Plaza, La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona (2012); Poule!, Colección Jumex, Ciudad de México (2012); Resisting the Present, Museo Amparo, Puebla, y Musée d'Art moderne de la Ville de Paris / ARC (2011 y 2012); Little Theater of Gestures, Kunstmuseum Basel y Malmö Konsthall (2009); Intervención al pabellón, Pabellón Mies van der Rohe, Barcelona (2005); Little History of Photography, MUHKA, Amberes (2003); Utopia Station, 50 Bienal de Venecia (2003) y Locus Focus, Sonsbeek 9, Arnhem (2001).

Inaki Bonillas vive y trabaja en la Ciudad de México, México.

Vive y trabaja en Nueva York. Su obra se centra en temas que abarcan desde aspectos sociopolíticos a la naturaleza de la memoria, y suele utilizar el lenguaje, la narrativa histórica, y recursos teatrales y literarios traspuestos al lenguaje conceptual. Como artista trabaja con la instalación, la escultura, la fotografía, el dibujo, el arte socialmente comprometido. Ha presentado su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, PS1, el RCA de Londres, la bienal de la Habana, el MCA de Chicago y muchos otros museos. Es autor de seis libros, entre ellos el Manual de Estilo del Arte Contemporáneo (2005), El Niño en la Letra (2008) y Theatrum Anatomicum and Other Performance Lectures (2009). En 2008 recibió la beca Guggenheim. Es, desde 2007, director de programas de adultos y académicos del Departamento de Educación en el MoMA - Museum of Modern Art (Nueva York/). Antes fue responsable de los programas públicos en el departamento de educación del Guggenheim de Nueva York, entre 1998 y 2005. Además ha sido el curador pedagógico de la 8ª Bienal de Mercosur de 2011, en Porto Alegre, Brasil y Senior Resident de Location One en Nueva York. También es uno de los Nominadores Internacionales del programa de residencias de la Iniciativa Artística de Davidoff en el Caribe.

México 1981

Marcos Castro utiliza en su trabajo elementos simbólicos encontrados en mitos, historias locales así como imágenes de la naturaleza e históricos que sirven para generar posibles eventos futuros así como la generación de nuevas identidades. Su trabajo transita entre diferentes medios como instalación, escultura, pintura, video, pero siendo siempre el dibujos el punto de partida en su proceso creativo.

Castro ha realizado diversas exposiciones individuales entre las que se encuentran: Objetos Necesarios en la Galería Dot Fiftyone Miami , Futuras Ruinas, en la Galería Luis Adelantado México D.F., Negras Tormentas, el Clauselito Museo de la Ciudad de México, Número Bestial en el Museo Ex Teresa Arte actual, Solve Et Coagula en el Museo del Eco entre otras.

Entre sus exposiciones colectivas se encuentran: Estudio de Trazo, Museo de Arte Moderno, México DF, Panorámica, Palacio de Bellas Artes, México D.F.; Ruta Mística- MARCO Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Historia de A- Puebla México, Museo Amparo.

Ha sido dos veces acreedor de la beca Jóvenes Creadores del FONCA

Ha participado en diferentes residencias artísticas como recientemente Art OMI en Nueva York, Skowhegan en Maine, y 18th Street art center en Los Angeles entre otras

La propuesta artística de Emilio Chapela se distingue por un marcado interés por los mecanismos involucrados en la comunicación humana y como dichos procesos impactan a la sociedad. Chapela cuestiona nuestra relación con las herramientas tecnológicas como los libros, las bibliotecas, el internet y sus redes sociales, puntualizando algunas de las interacciones complejas inherentes a la sociedad.

Es licenciado en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Iberoamericana. Estudió Fotografía y Medios Alternativos en el Centro de la Imagen en la Ciudad de México. Ha contado con diversos apoyos del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), entre ellos el Programa de Residencias Artísticas en el Extranjero, Co-inversiones Culturales y Jóvenes Creadores en dos ocasiones.

Fue artista residente en el ISCP (International Studio and Curatorial Center) de Nueva York en el 2007 y en el Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz en Berlín en el 2012. En 2013 fue Artista en Residencia en The Commons en la Universidad de Kansas donde impartió conferencias y talleres. Y actualmente forma parte del Sistema nacional de Creadores.

Es representado internacionalmente por galería Henrique Faria, New York.

Plinio Humberto Avila Márquez nacio en la ciudad de Zacatecas, Zacatecas el 17 de Diciembre de 1977.
Graduado del Programa de Entrenamiento para Impresores de Litografía por el Tamarind Institute y del posgrado en artes libres del Hoger Instituut voor Schone Kunsten de Amberes, Bélgica. Ha sido director del Centro de Gráfica Museograbado del Museo Felguérez por 15 años y Curador del No-Museo de Arte Contemporáneo MUNO de Zacatecas. Actualmente comparte estudio con Emilio Chapela y produce su obra personal y la de artistas invitados bajo el sello Torschlusspanik.
Su obra se caracteriza por su amplia variedad de técnicas desde la pintura y gráfica tradicional hasta el video o el performance. Para ello utiliza a diversos personajes que le permiten abordar los mismos temas desde diferentes perspectivas. La identidad, el espacio, la fe y varios temas existenciales se analizan a través de su obras en su mayoría realizadas como piezas colaborativas.
Entre sus exposiciones destacan: "El Traidor" en el Polyforum Cultural Siqueiros. México (2013); "Nodes of Mobility" curada por Michael Hieslmair en el Kunsthalle Exnergasse. Viena, Austria (2012); "La Era del Vacío". Anouk Vilain Gallery. Diepenbeek, Bélgica. (2011); "The Transient Spaces - The Tourist Syndrome" curada por Marina Sorbello y Antje Weitzel. Neue Gesellschaft für Bildende Kunst, Berlin, Alemania; “Junge Akademie 09-10” curada por Angela Lammert. Akademie der Künste, Berlin Alemania; "Die Wiederkehr der Landschaft" Akademie der Künste, Berlin, Alemania (2010); "Curating Contest La Louisiane" curada por Pascale Marthine Tayou. Galerie Olivier Robert. Paris, Francia (2007); "Mise en Scène” curada por Ken Pratt. MAMA (Media & Moving Art). Rotterdam, Holanda. "Leere X Vision; conneXions" curada por Maïtè Vissault. MARTa-Herforder Radewig. Herford, Alemania. "Dejeuner sur l'Herbe" curada por Stf Van Bellingen, Museo PAM Velzeke, Bélgica (2006); etc. 
Ha recibido los siguientes apoyos a los proyectos curatoriales de MUNO: Patronato de Arte Contemporáneo, Fundación Jumex, Fundación BBVABancomer (2011), Coinversiones Culturales FONCA. (2010) Además de Jóvenes Creadores del FONCA (2009) 
Residencia artística Akademie der Künste Berlín, Alemania. (2009); Residencia de Investigación en Stonehenge, Reino Unido. Con el apoyo de HISK (2006); Glasgow Print Studio, Escocia, UK; Facultad de Bellas Artes de la University of Kentucky. USA (2003).      
Actualmente pertenece al Sistema Nacional de Creadores (2016-2019)

La obra de Mauricio Limón parte de una búsqueda antropológica y social. A través de la observación, investigación e interacción con personajes representativos del dominio popular, de la historia o de su propio contexto, Limón crea un código de lectura de ciertos aspectos del comportamiento humano a través del tiempo. Explorando cuestiones psicológicas, históricas, políticas y personales, su producción artística toca temas como el rol de género, las relaciones familiares y la conexión entre el individuo y su entorno socio-político. Su interés por el estudio del material, el color y los sentidos ha ido evolucionando en el campo de la experimentación matérica y cromática, deviniendo en su estilo estético característico que abarca el dibujo, la pintura, el video y el performance.

Mauricio Limón (Ciudad de México, 1979) vive y trabaja en la Ciudad de México. Formó parte del programa de residencia de la Rijksakademie (2016-2017) en Amsterdam, Holanda.

Fue nominado para el Future Generation Art Prize de la Fundación Víctor Pinchuk (2014), participó en la XVI Bienal del Museo Tamayo, fue acreedor de la beca de Jóvenes Creadores del FONCA (2011 - 2012) y de la beca de la Fundación Pollock-Krasner (2010).

Vive y trabaja en la Ciudad de México. Produce objetos y videos que derivan de una búsqueda casi arqueológica de archivos digitales y la recopilación de recuerdos personales. Estas reproducciones digitales y físicas adquieren nuevas formas a medida que el artista reconsidera su asociación entre el pasado y el presente. Creando un puente entre el mundo físico y el digital, con un cruce constante de uno a otro, Salazar explora la posibilidad de una interacción entre los nuevos procesos de producción y los tradicionales. La reproducción de cada objeto es una oportunidad para fragmentar recuerdos digitales y personales.

Tania Candiani es una artista con una importante trayectoria en México y a nivel internacional. Sus intereses se enfocan en estrategias y prácticas de traducción entre sistemas de lenguaje, visuales y fónicos, donde existe un continuo anhelo por lo obsoleto que explicita el contenido discursivo de los artefactos.1 A través del uso de lenguajes tan distintos como pueden ser la palabra, el sonido o el artefacto, Candiani genera traducciones que descubren las posibilidades de un lenguaje y generan potencialidades de sentido y expresión en otros, para finalmente proveer nuevas formas de mirar. A menudo integra colaboraciones interdisciplinarias es su trabajo para obtener intersecciones poéticas de lenguaje, de la materialidad del sonido y la historia de la ciencia. Representante, junto con Luis Felipe Ortega, de México en la 56va edicición de la Bienal de Venecia

Yoshua Okón (Ciudad de México, 1970). Su trabajo es una serie de experimentos cuasi-sociales ejecutados para la cámara donde se mezclan situaciones actuadas, documentación e improvisación, cuestionando las percepciones habituales de la realidad y la verdad, la individualidad y la moralidad. En 2002 recibe la maestría en arte de UCLA con el apoyo de una beca Fulbright. Entre sus exhibiciones individuales se encuentran: Yoshua Okón: Colateral, MUAC, Ciudad de México y Museo Amparo, México, Yoshua Okón: In the Land of Ownership, ASAKUSA, Tokio; Saló Island, UC Irvine, Irvine; Piovra, Kaufmann Repetto, Milán; Poulpe, Mor Charpentier, París; Octopus, Cornerhouse, Manchester y Hammer Museum, Los Ángeles y SUBTITLE, Kunsthalle, Múnich. Entre sus colectivas se encuentran: Manifesta 11, Zurich; Bienal de Gwangju, Corea; Bienal de Estambul, Estambul; Antes de la resaca, MUAC, México DF; Incongruous, Musèe Cantonal des Beux-Arts, Lausanne; El horizonte del topo, Beaux Arts, Bruselas; Bienal de Mercosur, Porto Alegre; Amateurs, CCA Wattis, San Francisco; Laughing in a Foreign Language, Hayward Gallery, Londres; Adaptive Behavior, New Museum, NY y Mexico City: an exhibition about the exchange rates of bodies and values, PS1, MoMA, NY, y Kunstwerke, Berlín. Su obra se encuentra en las colecciones del Tate Modern, Hammer Museum, LACMA, Colección Jumex, MUAC, entre otras.

Carla Herrera-Prats y Anthony Graves colaboran juntos como Camel Collective desde 2005. Su práctica se articula a través de performance, video, escultura y fotografía, para crear obras que describen el trabajo contemporáneo, el poder y la producción. Su lenguaje visual se basa en la narrativa del teatro y la dramaturgia, combinada con la investigación, la ironía y el juego dentro de historias marginales y pedagogías críticas.
 
Entre sus principales exposiciones y performances se encuentran: The Second World Congress of Free Artists en Casa del Lago en la Ciudad de México (2013); Una obra para dos pinturas presentada en la Trienal Poli/Gráfica de San Juan (2012); A Facility Based on Change en el Massachusetts Museum of Contemporary Art, MassMoCA (2011) y Howls for Bologna en Ovengaden Institut for Samtidskunst (2010).
 
Además, su trabajo se ha mostrado en Artist’s Space, Art in General, Exit Art en NY la Sala de Arte Público Siqueiros en la Ciudad de México, Museo Universitario de Arte Contemporáneo.

(* 1968, Ciudad de México)

Sofía Táboas investiga el espacio, tanto natural como fabricado, la manera en que se construye y transforma, se piensa y percibe. Este interés se hace evidente en los materiales que utiliza para sus esculturas e instalaciones: plantas vivas o artificiales, mosaicos y equipo para albercas, materiales de construcción, plástico, bombillas de luz y fuego, entre otros. Su obra genera un umbral, un límite entre elementos que pueden ser disímiles o incluso irreconciliables, que sirve para reinventar los fronteras de lo público y lo privado, el adentro y el afuera. Táboas manipula hábilmente el espacio para crear estructuras transitables y contextos en los que los materiales pueden ser interpretados en nuevos términos. A pesar de la sobriedad formal que la caracteriza, su obra es capaz de crear hábitats como jardines flotantes o escenas submarinas, explorar nuevas vidas protozoarias y proponer ejercicios de percepción y movimiento. Influenciada por las corrientes de Arte Povera y el Neoconcretismo, la práctica de Táboas puede pensarse como una arqueología del futuro, en la que el uso de materiales comunes cierra la brecha que nos separa de lo que hay en el exterior, de un porvenir lejano, y rodea al espectador en lo familiar, en el aquí y el ahora.

Mauricio Alejo nació en la Ciudad de México en 1969. Obtuvo su Maestría en Arte de la Universidad de Nueva York en 2002, como receptor de la Beca Fulbright. En 2007, fue artista residente en el Centro NUS para las Artes en Singapur. Ha recibido múltiples premios y subvenciones, incluida la subvención de la Fundación de Nueva York para las Artes en 2008. Su trabajo forma parte de colecciones importantes como la Colección Daros Latinoamérica en Zürich. Su trabajo ha sido revisado en revistas importantes, como Flash Art; Arte, Noticias y Arte en América. Ha tenido exposiciones individuales en Nueva York, Japón, Madrid, París y México. Su trabajo ha sido mostrado en el Instituto de Arte Contemporáneo CCA Wattis en San Francisco; Museo Centro de Arte Reina Sofía en Madrid y La VIII Bienal de La Habana entre otros lugares. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.

Aguascalientes, Ags., México, 1985.

Licenciatura en Artes Visuales por la Universidad Autónoma de Baja California en Mexicali (2011). Estudios de Artes Visuales en San Miguel de Allende, Guanajuato (2006), y Universidad Veracruzana en Jalapa, Veracruz (2009). Trabajó en Museograbado, Museo Felguérez, Zacatecas y actualmente en el área de impresión y conservación del Estudio Panik, Ciudad de México.

Ha exhibido de forma colectiva en Casa de la Cultura de Victoria, São Paulo, Brasil; en el Instituto Allende, San Miguel de Allende, Guanajuato en varias ocasiones, en el Centro Estatal de las Artes de Mexicali; en la Universidad Veracruzana, Xalapa, Veracruz; Salón ACME, Ciudad de México, Ágora del MUAC, Ciudad de México y el Museo de Arte Contemporáneo No.8, Aguascalientes, Ags, entre otras.

Sebastián Romo (Ciudad de México 1973), realizó estudios de cine documental, fotografía y artes plásticas en la Universidad Nacional Autónoma de México.

Ha realizado comisiones en el espacio público para la ciudad de Nueva York y Ámsterdam, entre sus proyectos individuales más recientes se encuentran “Tropicalia Negra” (El Eco) y una instalación de gran formato para la Bienal del Merco Sur en Brasil. También “La voluntad de la cosas” en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (retrospectiva) y el Museo Carrillo Gil en la Ciudad de México (2009). Ha expuesto colectivamente en el Martin Gropius Bau de Berlín; De Appel Foundation de Holanda; STUK de Bélgica; el Hammer Museum de Los Ángeles, California y el ICA de Filadelfia y Boston. En México destacan el Museo Tamayo, la Colección Jumex y el Museo de Arte Moderno. Entre sus exposiciones individuales destacan “Anomia” en la Galería OMR; “Kinds of times / species of spaces” en el Artist Space de Nueva York; “De los Ordenes Invisibles” en la Galería de Arte Contemporáneo; entre otras. Fue premiado en las categorías de escultura e instalación.

Actualmente dirige el Atelier Romo, que es una plataforma multidisciplinaria de proyectos para la actualidad. La monografía retrospectiva “De los Ordenes Invisibles” fue editada por el CGAC en 2009. En el 2005 fue publicado otro título monográfico: “El espacio en el espacio (sitespecific mobile sulptures)” por Revolver Books en Alemania. En el 2011 publicó otro título monográfico para la Bienal del Merco Sur en Porto Alegre, Brasil.

Melanie Smith nació en el Reino Unido en 1965, pero ha desarrollado su carrera en la escena artística mexicana desde los años noventa. En 1989 Smith dejó atrás las tensiones político-económicas del Reino Unido de Thatcher para instalarse en México, donde ha sido testigo del impacto de la modernización capitalista, la globalización neoliberal y el hiperconsumismo, el desarrollo de una economía informal paralela a las formas tradicionales de manufactura, y los continuos fracasos o colapso de la modernidad. Ambos contextos –el mexicano o, en sentido más amplio, latinoamericano, y el británico o, más extensamente, la cultura anglosajona o eurocéntrica– son esenciales en su obra. Aunque Smith no se define como pintora y trabaja con una gran variedad de medios, todos ellos están impregnados de una singular y persistente referencia a la pintura. La presente exposición toma su título de una de las primeras obras de Smith, una instalación que incorpora múltiples pinturas colocadas una frente a otra. En su trabajo Smith despliega un juego continuo entre farsa (en el sentido de absurdo, burla o parodia) y artificio (entendido como artificialidad y engaño y, en última instancia, como el «artificio de la razón») y aplica estos conceptos a la sociedad contemporánea y lo que se ha denominado «modernidad barroca». Esta exposición recorre la obra de Smith desde principios de los noventa hasta hoy. Más que seguir una disposición cronológica, se organiza según una serie de temas o motivos aparentemente simples que son recurrentes en su producción: Abstracción, Urbano, Color, Cuerpo, Arqueología, Naturaleza y Escala. Esta disposición permite yuxtaponer obras producidas en distintos momentos de la carrera de la artista, evidenciando las continuidades entre ellas y al mismo tiempo abrazando tensiones, conflictos, irracionalidad y caos. La propia artista ha definido su corpus como un «palimpsesto gigante». 

* 1981, Ciudad de México

Desde la década de los noventa, Iñaki Bonillas ha establecido en su trabajo una relación muy puntual con la fotografía. Afín a la estética y las prácticas conceptuales de los años sesentas y setentas, Bonillas ha aislado de manera gradual los distintos elementos que constituyen, más que la fotografía misma, el hecho fotográfico (la cámara, la película, el obturador, el revelado, etc.), para después conectarlos con distintos procedimientos no-fotográficos. En 2003 introdujo en su obra el vasto archivo fotográfico de su abuelo, J. R. Plaza, a partir del cual ha desarrollado una serie de reinterpretaciones. Bonillas reúne elementos que a priori parecerían incompatibles: por un lado, una narrativa personal, biográfica, hecha de anécdotas y apuntes de carácter más bien privado, y, por otro, un sentido cuasi-científico de recopilación y de clasificación.

eduardo abaroa

* Ciudad de México, 1968

Eduardo Abaroa examina los aspectos efímeros de la cultura, la historia y el tejido socio-político de la sociedad. Su trabajo reinterpreta obras icónicas y símbolos culturales y busca desmantelar los conceptos de monumentalidad y modernidad. Ubicada en la intersección de la escultura, la instalación y el performance, su práctica se caracteriza por una inmediatez que lo aleja de las pretensiones asociadas a las expresiones artísticas; sus obras esquivan connotaciones a las “bellas artes” tradicionales al utilizar materiales de uso cotidiano, que encuentra en los mercados y calles de la Ciudad de México: desde baños portátiles, lonas y escombros de edificios destruidos hasta hisopos de algodón, popotes, bisutería y botellas de plástico. Pensados para un sitio específico, Abaroa desarrolla proyectos que buscan socavar la autoridad de instituciones culturales –como el Museo Nacional de Antropología e Historia de la Ciudad de México–, así como la narrativa oficial que éstas imponen y su ideología ultranacionalista. Al yuxtaponer diversas tradiciones ideológicas, estéticas y culturales, el artista ofrece un punto de vista incisivo que critica las estructuras económicas y sociales que gobiernan nuestra sociedad.

Abaroa se graduó de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM en la Ciudad de México en 1992 y en 2001 California Institute of the Arts (CalArts). En 1993, fue uno de los miembros fundadores del espacio experimental Temístocles 44 en la Ciudad de México. Ha sido artista residente en FLORA ars+natura en Bogotá (2014) y Corcoran Gallery en Washington (2012). En 2011 fue director del IX Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo (SITAC) en la Ciudad de México. Abaroa ha contribuido con textos para catálogos de artistas cruciales para el contexto mexicano, así como con columnas y críticas de arte para diferentes publicaciones y revistas. Ha recibido varios reconocimientos entre los que se encuentran: premio artes visuales de la Sociedad Internacional de Valores de Arte Mexicano (SIVAM) en 2006 y 2005; Sistema Nacional de Creadores y Fulbright Scholarship, ambos en 2004.

Algunas de sus exposiciones individuales incluyen: Tipología del estorbo, Museo Amparo, Puebla, México (2017); Fotosíntesis, Casa del Lago Juan José Arreola | UNAM, Ciudad de México (2015); Stonhenge Sanitario, Sala de Arte Público Siqueiros, Ciudad de México (2006); Eduardo Abaroa, Engendros del ocio y la hipocresía (1991-1999), Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara, México (2003) y Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México (1999); Bitácora Artística, Curare Espacio Crítico para las Artes, Ciudad de México (1997).

También ha participado en exposiciones colectivas como: Below the Underground: Renegade Art and Action in 1990s Mexico, Armory Center for the Arts, Pasadena, Estados Unidos (2018); Condemned To Be Modern, Los Angeles Municipal Art Gallery (LAMAG) (2017); Lecturas de un territorio
fracturado, Museo Amparo, Puebla, México (2017); Monumentos, anti-monumentos y nueva escultura pública, MAZ - Museo de Arte de Zapopan, México (2017); El orden natural de las cosas, Museo Jumex, Ciudad de México (2016); Kozmic Blues. Entre control / Descontrol, Complejo Cultural Universitario–BUAP, Puebla, México (2016); Rights of Nature, Nottingham Contemporary, Reino Unido (2015); Strange Currencies: Art & Action in Mexico City, 1990-2000, The Galleries at Moore, Filadelfia, Estados Unidos (2015); El testigo del siglo, Museo de Arte Zapopan, México (2014); Hay más rutas que la nuestra, Museo Tamayo, Ciudad de México (2013); México Inside Out: Themes in Art Since 1990, The Modern Art Museum of Fort Worth, Estados Unidos (2013); Antes de la resaca, Museo Universitario Arte Contemporáneo, MUAC, Ciudad de México (2011); Mexico: Expected / Unexpected - collection Isabel et Agustín Coppel, Museum of Contemporary Art San Diego, Estados Unidos (2011) y La maison rouge, París (2008); Poetics of the Handmade, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2007); Eco, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2005), entre otras.

Su obra ha sido incluida en bienales como: XIII Bienal FEMSA 2018, Monterrey, México; Busan Biennale 2008, Corea del Sur; 25a Bienal de São Paulo, Brasil (2002) e inSite_97, frontera Tijuana/San Diego (1997).

Eduardo Abaroa vive y trabaja en la Ciudad de México.

elsa-louise manceux

*Francia, 1985

Aunque multidisciplinaria en sus proyectos y colaboraciones, Elsa-Louise enfoca su práctica en el dibujo y pintura. El lenguaje visual de sus obras recientes traza relaciones entre los conceptos de síntesis y progreso; información y deformación, comunicación y subversión – como ejes subyacentes a las formas y motivos presentes en sus imágenes, transmitidas desde distintos soportes y instalaciones.

Sus composiciones son polifónicas, y atraviesan mundos interiores, paisajes mentales o situaciones intangibles, que proporcionan un sentido de visión sensual y rebelde, mezclando imaginarios y generando desplazamientos entre lo personal, lo histórico y lo cibernético.

Elsa-Louise Manceaux completó sus estudios en Gerrit Rietveld Academie en Amsterdam en 2009 y luego asistió al programa educativo SOMA 2015-2016 en la Ciudad de México, donde vive y trabaja desde 2012. Su obra ha sido expuesta y publicada en Francia, México, Chile, Panamá, Bolivia, Estados Unidos, Bélgica, Países Bajos, Portugal, Reino Unido e Islandia.

www.elsalouisemanceaux.com

Reynold Reynolds (n. 1966)

Vive y trabaja en Amsterdam, Países Bajos. Es licenciado en Física por la Universidad de Colorado en Boulder, donde estudió con Carl Wieman (Premio Nobel de Física, 2001). Cambiando su enfoque al estudio de arte, permaneció dos años más en Boulder para estudiar con el cineasta experimental Stan Brakhage. Después de mudarse a la ciudad de Nueva York, Reynolds completó un M.F.A. en la escuela de artes visuales. Recibió la beca John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Ha sido galardonado con el Premio de Roma (2013) y el Premio de Berlín (2004). Su obra se encuentra en la colección permanente del Museo de Arte Moderno (Nueva York) y se ha exhibido en numerosas bienales, incluidas la 4a Bienal de Berlín y la 3a Bienal de Moscú.

Artista visual que escribe.

Ha publicado los libros: Mudanza (Almadía, 2017 / 1ed Auieo, 2010) y Conjunto vacío (Almadía, 2015). En otros soportes, sus piezas más recientes son: Palabras migrantes (2017) en la Art Association, Jackson Hole, Wyoming; Los hablantes No. 2 (2016), en el Museo Amparo, Puebla; y El vacío amplificado (2016), en la Casa–Taller José Clemente Orozco, Guadalajara. Ha participado en las residencias interdisciplinarias de OMI International Arts Center (EUA), Ucross Foundation (EUA), Santa Maddalena (Italia) y la Sommerakademie im Zentrum Paul Klee (Suiza). Se graduó de la Licenciatura en Artes plásticas de la ENPEG, La Esmeralda y de la Maestría en Historia del arte de la UNAM. En 2013 obtuvo el III Premio Internacional de literatura Aura Estrada y en 2014 una mención honorífica en el Premio Nacional de Ensayo sobre Fotografía. Ha impartido talleres de lectura de imágenes, escritura visual, escritura abstracta y escritura mural en diversas instituciones culturales de la República Mexicana, así como las asignaturas de teoría del arte y dibujo en programas de educación artística superior. Es editora en la cooperativa Tumbona Ediciones, cuyo catálogo explora los cruces entre literatura y arte, y tutora del Seminario de Producción Fotográfica del Centro de la Imagen.